中国画在“用光”的态度上，不应偏离民族本位和中国画自律性。探索历史和当下的“用光”课题，也是试图为中国画今后的创新寻求一个立足点。

　　当下中国画创作中的“用光”问题探讨（节选）

　　近现代对于中国画“用光”的探索，因论者画者个人经历不同而呈现多种艺术主张和多样的艺术面貌。纵观历史，我们可以看到：画坛一直矢志不渝地寻找着中国画如何“用光”的理论与技法，无论中国画采用何种“用光”的方式，它都应在保持民族性和保持画种特性的前提下进行，其光感的效果更应是沿着中国画本身的自律性所营造。

　　近代以来，西方绘画以其科学写实的光影、明暗等观念影响了几代中国画家的认知。中国画“用光”的探索多着眼于新形式与新技法上，这在一定程度上减弱了中国画的精神内涵。在当下，坚守中国画的核心价值和精神本质，是中国画“用光”探索与创新的首要前提。以此为基础，笔者在中国画平面性、线造型、中西方的借鉴与融合的程度、把握等方面作如下思考。

本文配图均系王海滨作品《小菲》肖像系列

　　首先，不可彻底脱离中国画的平面性特征。平面性的“用光”是平光、逆光或是光的漫反射下形成的一种视觉效果，是中国画的造型特征之一，也是有别于西画造型体系的标志。中国画将物象在光源下的各种光影现象略去或者减弱，本质地表现相对平面的形貌是其独特的思维与表现方式。中国画对逆光的刻画，依然是一种整体呈现平面的用光形式，大部分氤氲在阴影重调子之中，阴影中的物象肌理感呈现的是凹凸的起伏变化，而非统一光源下的集中受光、背光所造成的较大的明暗转折变化，从这一点来说，近现代画家对“逆光”的刻画，“天然”地具备了平面性特性。

　　其次，重视中国画的线造型。西方绘画光影造型与中国画线造型分属于两种不同的语言体系，它们之间的对话与融合，是近现代以来、乃至今后相当长的历史时期内中国画均要面对的问题。在很多近现代画家的“用光”实践中，是在立足笔墨主体的前提下有选择的吸收光影因素，将西方绘画的“明暗”转化成中国绘画的“黑白”；将西方绘画中的透视转化为中国绘画的空间层次；弱化光源色、环境色等因素，强调主观意识的引领作用，根据画面构成需要用自由的留白布光，追求散落于画面间的平光视觉效果，通过对“用光”处理的高度自由性，籍以弥合中西艺术交流碰撞中所带来的副作用。值得思考的是：弱化线之程度把握尤为重要，如果为了“用光”而放弃代表民族性的线造型，这种融合的方式绝非高明之举。

　　最后，要把握中西绘画的融合程度。中国画的创新必须以秉承民族性和画种特质为基本前提，应该是沿着中国画自律性规律的有序演进和理性创新。从任何角度上讲，西方绘画的“用光”主要通过光线、明暗、透视、空间来塑造物体的形象，均与物质属性相联系。从其艺术成就来看，也达到很高的水平。线造型、平面性等与明暗造型、立体性是东、西绘画各自的风格特征，也是东、西绘画相互区分的重要标志，故在互相吸收、借鉴时就更需慎重为之。

　　中国画在“用光”的态度上，不应偏离民族本位和中国画自律性。探索历史和当下的“用光”课题，也是试图为中国画今后的创新寻求一个立足点。中国画创作离不开“用光”问题，要在众多的美术作品中寻找到它的规律。近现代中国画家中，有人倡导以传统为本，有人以西方造型体系为基础，也有人主张各种文化因素相结合。这些现象都在某种程度上影响了对中国画“用光”的认识和应用。今日的画家，对先贤们的观点要辩证地看待，对不同学派、不同风格的画家和作品，要从不同角度、不同历史环境中加以分析。在承认不同思想和实践对中国画“用光”课题给予重要贡献的同时，也清醒认识到这些观点和认知的局限和缺陷。任何一种艺术的发展均是多元的。这些优秀的艺术思想和创作经验，在当下的中国画创作中要继承和发场，中华民族的文化精粹方能繁盛永昌。（王海滨）

　　艺术简介

　　王海滨，1976年生于河北任丘，艺术学博士。现为首都师范大学美术学院院长、教授、研究生导师。中国美术家协会会员，中国工笔画学会常务理事兼副秘书长、青年艺委会副主任，北京美术家协会理事、中国画艺委会委员，北京工笔重彩画会副会长等。

　　[ 责任编辑：陈雅雯 ]

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